POP ART

¿CUÁNDO?

En los paises occidentales, el inicio de la década de 1960 marcó el desarrollo de la sociedaad de consumo, de la cual una generación de artistas tomó prestada una imaginería renovada.

Sin duda el nacimiento de este movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos.

Lógicamente, producto de este periodo (Guerra Fría) nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre. Vieron al hombre como una escoria; por lo tanto sólo podría producir basura. Puede decirse que 1945 supuso partir de cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista.

Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.

Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

El Pop Art nace como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. 

Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos.  Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

¿QUÉ?

La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado,  de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística  que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos, etc. se convierte en la iconografía del "Pop Art".

¿CÓMO?

Utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica, con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages, etc.  El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal  y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como  sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop.

¿QUIÉN?

 Roy ichtenstein (1923-1997) Pintor estadounidense. Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal. 

A partir de 1979 realizó también esculturas, las cuales recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Una de sus obras se expone en Kunsthalle Hamburgo Alemania. Shipboard Girl, 1965.

*M-Maybe (1965), Roy Lichtenstein

Óleo y magna sobre tela

Museo Ludwig Colonia

Cómics y punto de trama: Las primeras obras de Lichtenstein de las viñetas de los cómics. Además de su iconografía, el artista tomó de las historietas la viñeta, las convenciones del dibujo, el diálogo inserto en una filacteria y la gama retringida de colores.

La confusión de los sentimientos: Esta figura de una joven de clase acomodada esperando o llorando por el hombre que ama aparece a menudo en las obras de Lichtenstein y subraya la vulgaridad de los sentimientos remilgados impuestos como estándares de una sociedad puritana.

(SITOGRAFÍA:

http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lichtenstein.htm

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/contexto-histrico-pop.html

BIBLIOGRAAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)