CONCLUSIÓN: 

Como conclusión puedo decir que el tiempo empleado en este trabajo valió la pena. Me sirvió para adquirir variados conocimientos sobre artistas, técnicas, sucesos históricos, relaciones con el contexto, etc.

Aprendí que el arte le ha servido, y le sirve, al hombre para configurar su propia imagen y para ubicarse en el espacio y en el tiempo, como producto de la observación y la reflexión. Las vanguardias significaron una protesta, un grito de rebelión en pos de nuevas realidades.

Con la separación del arte en diferentes vanguardias noté claramente el valor de cada una y que la causa del surgimiento de estas es el rechazo de pautas anteriores, por lo tanto surgen unas nuevas que le proceden y adoptan técnicas de los anteriores y así se manifiestan nuevos sentimientos, emociones, expresiones, momentos, etc. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

Pude notar como las categorías en el arte son fluctuantes, es decir, siguiendo un movimiento. Si una cerámica griega es una obra de arte, no lo son del mismo modo que un Ready-made de Duchamp, de los que se diferencian por sus usos, procesos, sentidos, etc.

Adquirí una referencia del tiempo que me sirve para la vida cotidiana y para relacionar cualquier suceso histórico o contemporáneo en cualquier siglo, año, con lo que sucede, paralelamente y como consecuencia, en el arte.

El movimiento vanguardístico que mas me gustó y llamó la atención  que no la había analizado anteriormente, fue la del Hiperrealismo ya que ofrece una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Me causa impresión como el artista puede lograr que se parezca tanto a una persona o a la realidad, prestando atención a cada detalle al realizarla. Me gusta contemplar estas obras. 

Por otro lado, las obras que mas me gustaron fueron las de Van Gogh como la de *La noche estrellada (1889), me gustan estos paisajes de naturaleza que realiza y, además, me resulta bello el resultado de las técnicas de las obras que emplean el "divisionismo".

NEOEXPRESIONISMO:

¿CUÁNDO?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta.
Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Se puede dividir en dos momentos característicos de este movimiento: el primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. Son considerados como los fundadores del nuevo estilo. La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta. Son mucho más agresivos que los de la primera practicando una plástica de la destrucción y lo feo. 
Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

¿QUÉ?
Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
Se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. El Neo Expresionismo alemán no es un movimiento homogéneo. Lo componían individualidades de carácter muy marcado. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Fue un movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos.

¿CÓMO?
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.
Características
Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
Ejecución de trazos amplios.
Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.)
Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

¿QUIÉN?
Georg Baselitz (1938) artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980. 

*Cena en Dresde (1983), George Baselitz
Óleo sobre lienzo
Localización: Kunstaus. Zürich

Composiciones invertida con el fin de acentuar las cualidades formales del artista en oposición a lo figurativo, "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura" Baelitz. El tema se apoya en un clásico de la iconografía pictórica de tradición cristiana- la ultima cena- y el motivo es un, llamemosle asi, homenaje al grupo expresionita Die Brueke en el, aparecen lo cuatro miembros fundadores del movimiento- Kirchner, Schmidt-Rottluff, Mueller y Heckel. Comparten unas naranjas en un escenario parco que se aloja (la obra no facilita dato sobre este punto, pero si lo explicita el titulo) en la ciudad recurrente de Dresde, donde Die Bruke funda en 1905. No sabemos si Baselitz tiene presente el cuadro que en 1926 pintó Ernst Ludwig Kirchner titulado Grupo de artistas  en el que aparecían los cuatro personajes en distintas posiciones, o un boceto del mismo autor fechado en 1925. No parece que se apoye firmemente en ellos.
La composición consigue un complejo equilibro. Si bien la figura central se encuentra ahí, es decir, centrada, las tres naranjas parecen desequilibrar, momentáneamente  el conjunto. Baselitz recupera un equilibrio centralizado con la descomposición en dos rostros de la figura del extremo. El trió de naranjas da sentido narrativo por su semántica alimenticia y su parodia del pan pero sobre todo justifica un color: el naranja. El cromatismo es feroz y distanciador, consiguiendo aislar los motivos y rompiendo, en los argumentos, cualquier voluntad de "retrato de grupo". 
El gesto del personaje central (probablemente Schmidt-Rottluff) es el que mejor ilustra "esa composición inversa" que organiza el trabajo de Baselitz. En efecto, solo hay que darle la vuelta para apreciar que alguien con las dotes plásticas de Baselitz nunca la hubiera tratado así si su posición hubiese sido otra.
Es una obra muy hermosa, rotunda, con un refinado esteticismo. Una "Santa Cena" en la que no falta el pan (parodiado por las naranjas), el vino (grotescamente tratado en forma de botella verde), un colectivo (parodiado por la exclusión que formaliza el uso del color que delimita los miembros), y una voluntad de grupo (parodiada en el tema). Parodia muy bella plasticamente que se encuentra adherida a la tradición del expresionismo de primer cuño pero muy lejos de la manifestación efectiva de la tragedia existencial de esta. No lo olvidemos, la obra de Baselitz, es de los 80, no de principios del siglo XX.

(SITOGRAFÍA: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
http://www.arteseleccion.com/movimientos-de/neo-expresionismo-33
http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669
http://www.emol.com/mundografico/?F_ID=491204
http://historiadelartecuatro.blogspot.com.ar/2009/05/el-neoexpresionismo-aleman_20.html
http://aprendersociales.blogspot.com.ar/2008/11/georg-baselitz.html
http://books.google.com.ar/books?id=cx4DY7Z6x6sC&pg=PA31&lpg=PA31&dq=CENA+DE+DRESDE+GEORG+BASELITZ&source=bl&ots=WYMWYVB9lC&sig=3ebtFqncXy9nULYdEXxW2cwwCx8&hl=es-419&sa=X&ei=h_mCUca3BJD94AP4woDYAw&sqi=2&ved=0CGAQ6AEwCQ#v=onepage&q&f=false)

HIPERREALISMO

¿CUÁNDO?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos, es el arte representativo de las democracias occidentales a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. Tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

¿QUÉ?
El hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes, con el más radical de los verismos.

¿CÓMO?
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 
El hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano.

¿QUIÉN?
Ron Mueck (1958) escultor hiperrealista australiano nacido en Melbourne. Sus padres de origen alemán, eran diseñadores de juguetes. En 1982 se trasladó a Londres para trabajar haciendo marionetas para la televisión. Más tarde fundó su propia empresa de utilería, maniquíes y robots animados para la industria de la publicidad, sus obras eran perfectamente hiperrealistas, salvo que estaban diseñadas para ser fotografiadas desde un solo ángulo. Decidió entonces dejar la industria para pasar al arte puro. En 1997 debuta con una polémica exposición en la que reproduce un cadáver masculino a mitad de tamaño natural. Otra de sus obras más conocidas es Boy (1999) para la cúpula del London Millenium y expuesta después en el Arsenal de la Bienal de Venecia de 2001 y el Grand Palais de París en 2005. Su consagración definitiva le llegó en el año 2003 cuando expuso en solitario en la National Gallery de Londres. Sus esculturas son blandas, o lo parecen, porque simulan la textura precisa de la carne. No trabaja la piedra o el bronce, sino el poliéster, la silicona y las resinas. Ron Mueck ha renovado la escultura contemporánea con sus piezas, liliputienses o colosales, que crean una tensión entre nuestro universo real y un mundo fantasmagórico. Su obra se encuadra en una tradición hiperrealista iniciada por artistas como Duane Hanson y continuada en la actualidad por otros como Murizio Cattelan.

*Mask II (2001), Ron Mueck
Silicona, acrílicos y fibra de vídrio
 Galería James Cohan, Nueva York

La obra del artista está fabricada en su totalidad de fibra de vidrio, silicón y látex, materiales que le permiten lograr una textura y apariencia “hiperreal”. El escultor logra plasmar hasta el más mínimo detalle en sus creaciones; una arruga, un vello, una pigmentación humana o una mirada expresiva. Todo lo anterior hace que a sus esculturas sólo les falte el sonido y el movimiento para dejar de ser figuras inertes y convertirse en seres vivientes; hasta ese punto llega el hiperrealismo de Mueck.

(SITOGRAFÍA:
http://majocobe.blogspot.com.ar/2009/02/ron-mueck-autorretrato.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://www.garuyo.com/museo-o-galeria/ron-mueck-y-su-hiperrealismo-en-mexico)

OP ART

¿CUÁNDO?
Después de los experimentos de principios de siglo, los artistas de fines de la década de 1950 intentaron nuevamente integrar el movimiento en las obras de arte. Para ello recurrieron unas veces al movimiento real, creando el arte cinético, y otras al movimiento simulado a través del color.
Las dos superpotencias vencedoras de la Segunda Guerra Mundial (EEUU y la URSS) se repartieron áreas de poder e influencia en el mundo. Formaron dos alianzas militares: la Organización del Tratado del Atlántico Norte, que nucleaba a las potencias occidentales, piloteada por los EEUU; y el Pacto de Varsovia, unión militar de los países socialistas regenteada por la URSS. A pocos años de finalizada la guerra los dos bloques comenzaron a enfrentarse de manera indirecta en diversos conflictos militares, como las guerras de Vietnam y Corea, en las que cada uno apoyaba a diferentes bandos sin entrar en una guerra directa, de ahí el nombre de guerra fría.

¿QUÉ?
Corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

¿CÓMO?
Ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación, usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
Se utilizala construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

¿QUIÉN?
Bridget Riley (1931) es una pintora inglesa, que destacadó en el movimiento artístico del Op Art. Creó formas abstractas diseñadas con la intención de producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres donde estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, y se especializó en dibujo y a posteriori en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 fue influida por el puntillismo de Georges Seura. Alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que realizo en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.
Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, con diferente tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento. A finales de la década de 1960 experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, que afectaba a la percepción brillante de los colores individuales.
Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.

*Fall (1963), Bridget Riley 
Acetato de polivinilo pintura sobre madera prensada

Una sola curva perpendicular se repite para crear un campo de la variación de las frecuencias ópticas. Aunque en la parte superior de una oscilación relajada suave prevalece, la curva se comprime rápidamente hacia la parte inferior de la pintura. La composición raya en el borde de la desintegración sin romper la estructura cada vez. 

(SITOGRAFÍA:
http://martinamantaras.blogspot.com.ar/2010/05/op-art.html
http://martinamantaras.blogspot.com.ar/2010/05/op-art.html
https://sites.google.com/site/mujeresartistasmoreda/artistas/bridget-riley)