ARTE ABSTRACTO

¿CUÁNDO?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
En los años 1910, los intereses de las potencias mundiales empujaron a la humanidad a una nueva dimensión de conflicto, la Primera Guerra Mundial (iniciada en 1914), que aunque se inició como un conflicto europeo terminó absorbiendo a las principales naciones del mundo. La confrontación se inició tras el asesinato del archiduque Francisco Fernando en Sarajevo. Los grandes perdedores al cabo de los cuatro años en que se desarrolló la guerra fueron los imperios de Austria, que perdió tal distinción para siempre, y el imperio Ruso, cuya monarquía fue exterminada (la familia real fue ejecutada) par dar paso a un nuevo sistema de gobierno, el Bolchevique, liderado por Lenin.
E.E.U.U. se convirtió en potencia mundial de primer orden al igual que Japón, cuya primacía en Asia ya nadie discutía. Alemania perdió su pequeño imperio colonial, pero aun así logró mantener su infraestructura nacional. Fue el caso contrario al de Francia, que se suponía había resultado victoriosa en la guerra.
Gran Bretaña, aunque menos afectada que Francia, también vio retroceder su prestigio y de repente se encontró en condición de igualdad con E.E.U.U, país sobre el que hacia menos de un siglo aún tenía la pretensión de volverlo a integrar dentro de sus colonias.
Por su parte el piloto alemán Manfred von Richthofen fue el icono de la guerra.

¿QUÉ? 
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
No imita ni representa directamente la realidad exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el color y la forma tiene su propio valor artístico.

¿CÓMO?
El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible.

¿QUIÉN?
Wassily Kandinski (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Cursó estudios de pintura y dibujo en Odessa, y de Derecho y Economía en la Universidad de Moscú. Cuando cumplió 30 años se trasladó a Munich. 
Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, tras un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista. Murnau: la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia. 
En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul). Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En el año 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción. Además trabajó como profesor en la Academia de Bellas Artes de Moscú entre 1918 y 1921, y entre 1922 y 1933 de la Bauhaus en Dessau, Alemania. 
Sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, Composición VIII Nº 260 (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), es un conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) logra un bellísimo equilibrio.

*En el ovalo claro (1925) Wassily Kandinsky
Óleo sobre cartón 
Fundación Thyssen- Bornemisza Madrid
La resonancia de las curvas geométricas: En 1925, Kandinsky realizó una serie de cuadros ovalados, como "huevos de pascua". Fue durante la época en que redactó su manifiesto teórico de la Bauhaus, Punto y línea sobre el plano. En él desarrolló en particular la utilización de la diagonal, y dejó en evidencia que la más mínima desviación de esta última (indicadora de la tensión) hacia la vertical o hacia la orizontal era decisiva en la composición. Habría "diagonales armoniosas", que él mismo trataba de aplicar. Además de la diagonal, recurrió a dos de los elementos teóricos que investigaba en ese entonces: el plano original y las curvas geométricas, a las que atribuía una "resonancia". Aunque maduramente meditda, la obra de Kandinsky ya no tenía la frescura de la improvisación de 1910, pero seguía siendo atrayente al no rechazar los efectos de sedcción. 
"No todo es visible y comprensible o -dicho de otra manera- bajo lo visible y lo comprensible se oculta lo invisible y lo incomprensible. Nos encontramos en el inbral de una época y poco a poco se vuelve perceptible un camino -uno solo- que nos llevará hacia las profunidades" (Wassily Kandinsky. Punto y línea sobre el plano, 1925)

SITOGRAFÍA:
http://edublogprimerciclo.blogspot.com.ar/2012/03/breve-biografia-de-kandinsky.html
http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8198/Wassily%20Kandinsky%20-%20Wassily%20Kandinski
http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://www.monografias.com/trabajos14/arte-abstracto-xx/arte-abstracto-xx.shtml
BIBLIOGRAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)

FUTURISMO:

¿CUÁNDO?
Entre 1909 y 1916 se desarrolla el Futurismo en Italia, una vertiginosa carrera de desintegración retórico-poética. El arte oficial italiano estaba definido por el neoclasicismo principalmente, y frente a esto el movimiento futurista nace como aspiración a la modernidad.
El Futurismo es la gran corriente de revolución poética vanguardista, es el primer movimiento y el que tiene mayor contenido doctrinal: hizo una doctrina retórico-poética coherente, constituyéndose en el único aparato doctrinal vanguardista realmente sólido desde un punto de vista retórico- poético. Se trata del primer y más ruidoso planteamiento de las aversiones y la compleja problemática artística y sociopolítica del espíritu contemporáneo.
El movimiento futurista tuvo amplia repercusión y proyección en toda Europa (excepto en Inglaterra), incluso se trasladó a Rusia, y en América latina también entrará con mucha fuerza.
Para destruir las formas anteriores se elaboró un amplio conjunto operativo de materiales teórico-literarios programáticos cuyo código estético viene a ser esencialmente un anticódigo romántico-simbolista. Estos materiales programáticos se concretaron en los manifiestos, presentes en todas las Vanguardias, y que centrarán nuestra atención próximamente.
Los futuristas declararon en este manifiesto teórico que convenía desprenderse de la "gangrena de profesores, arqueólogos y anticuarios".  Proclamaban su voluntad de terminar con todo el arte antiguo y también con la tradición: el manifiesto llamba al "desprecio por la mujer", percibida como la guardiana de los valores del pasado. 
La nueva cultura debía exaltar el movimiento, única realidad del mundo moderno. La inmovilidad era solo una apariencia; todo era dinámico, vibraciones y desplazamientos.

El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.
En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUE?
Se dice que es futurista “quien piensa y se expresa con originadildad, fuerza, vivacidad, entusiasmo, claridad, simplicidad, agilidad y sintesis. Quien odia las ruinas, las bibliotecas, el culturismo, el profesoralismo, el academicismo, la imitacion de pasado.
Van en contra la monarquia, el amor y el sentimentalismo, la obsesion de la mujer ideal, el adulterio y la posesion femenina. Desprecian el matrimonio. Quieren “matar” la antigua Venecia, para crear una Venecia nueva, industrial y militar.
Rechazaban la naturaleza muerta , que ocupaba un lugar importante en la pintura cubista, y se interesaban en las máquinas de transporte, en las revueltas callejeras o en el baile, que reflejaban dinamismo de mundo.

¿CÓMO?
Tecnicamente, los pintores futuristas procuraban evitar los colores planos y los contornos definidos, sinónimos de inmovilidad. El ánglo agudo era consierado el símbolo de la "compenetración en el espacio": los cuadros se cubrieron de notaciones dinámicas abstractas realizadas con "líneas de fuerza" y repeticiones, que posteriormente fueron reutilizadas en las tiras cómicas.

¿QUIÉN? 
Carlo Carrà(1881-1966)Nace en Quargnento, provincia de Alessandria, en el seno de una familia de artesanos. Tras trabajar como decorador mural durante casi diez años en Valenza Po, Milán, París, Londres y Bellinzona, en 1906 entra en la Academia de Brera y conoce a los jóvenes pintores Bonzagni, Romani, Valeri y Boccioni. En 1910, Marinetti, Boccioni, Russolo y el mismo Carrà firman un manifiesto dirigido a los jóvenes artistas en el cual los invitan a renovar el lenguaje expresivo. Balla y Severini se adhieren al manifiesto y, así, nace el futurismo.
A principios de 1913, el grupo florentino de "la Voce" se une al movimiento futurista y lanza la nueva revista "Lacerba", dirigida por Papini y Soffici. Carrà colabora en ella con numerosos escritos y dibujos. Durante el mismo periodo, se relaciona con los cubistas franceses y, en 1914, vive durante algunos meses en París. En esos años, su obra empieza a alejarse del futurismo, como demuestran sus collages. Carrà inicia un periodo de reflexión y de estudio de algunos clásicos, como Giotto y Paolo Uccello, y empieza a pintar sus primeros cuadros metafísicos.
Tras incorporarse al ejército, Carrà transcurre un periodo en Pieve di Cento, pero, por motivos de salud, ingresa en el hospital militar de Ferrara, ciudad en la cual conoce a De Chirico, Savinio, Govoni y De Pisis. En 1919 regresa a Milán y se casa con Inés Minoja. Sigue un periodo de crisis interior y artística del cual sale con una nueva visión de la pintura orientada a la búsqueda de la máxima simplificación de la imagen. Así, en 1921, inicia su tercera etapa artística, llamada "realismo lírico". Sus obras son una síntesis entre la idea y la naturaleza, y los paisajes pasan a ser los temas predilectos del artista. En 1923 vive en Camogli (Liguria). A partir de 1926 pasa algunos meses en Forte dei Marmi (Versilia), donde se encandila con los paisajes luminosos y solitarios, las playas desérticas, las montañas cayendo a pico sobre el mar, las cabañas abandonadas.
En esa época, Carrà no sólo se dedica de pleno al trabajo artístico sino que, además, combate una ardua batalla por la renovación del arte moderno mediante artículos de crítica y de teoría estética. Colabora con numerosas revistas, como "Lacerba", "La Voce", "Valori Plastici", "Esprit Nouveau", "La Fiera letteraria", y en el cotidiano "L'Ambrosiano".
Muere el 13 de abril de 1966, debido a una enfermedad fulminante.

*Los funerales del anarquista Galli (1911) Carlo Carra
Óleo sobre tela
Museo de Arte Moderno, Nueva York
Dinamismo y violencia: Carrá unió el movimiento, los olores y los colores en un mismo dinamismo y estableció reglas que, aunque hoy parecen arbitriarias, constituían para él realidades naturales. Las estaciones y las fábricas producían ruidos y olores rojos muy dinámicos. Los restaurantes y los cafés generaban amarillo y las mujeres aazul y verde.
El compromiso futurista: Durante el entierro de Galli se prdujeron violentos incidentes entre policías y obreros, a tal punto que el ataúd se cayó al suelo. Sin duda, la elección del tema revela los postulados futuristas: Carrá vio en estos funerales un momento de violencia y de movimiento que defendió a toda costa. 

(SITOGRAFÍA: http://www.italica.rai.it/esp/principales/temas/biografias/carra.htm
http://www.alipso.com/monografias/futurismo5/
BIBLIOGRAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)

CUBISMO

¿CUÁNDO?

Pablo Picasso (Málaga, 1881, Mourgins, 1973) y Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882, París, 1963), un español y un francés, retomaron a comiezos del siglo XX la lección plástica de Cezanne y pusieron en marcha la revolución bautizada con el nombre "cubismo" (según Louis Vauxcelles, al declarar en 1908, en casa de Daniel-Henry Kahnweiler, que Braque reducía todo a "esquemas geométricos, a cubos").

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.

El cubismo actuó como un fermento revolucionario: planos discontinuos y fragmentación de las masas encarnaron en un estilo vital y auténticamente moderno, acorde con las mutaciones radicales del entorno contidiano y de la vida.
El primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución Soviética (en octubre de 1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente).

¿QUÉ?

Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio.

Los cubistas tenían conciencia de que el hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos.

El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura.

A pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

¿CÓMO?

 La reintroducción del color como un medio pictórico autónomo , en opisición a la casi monocromía alcanzada en ese entonces por Braque y Picasso: colores primarios en un sistema de oposicione co el negro y el blanco y colores del prisma como transcripción de la luz. La idea del contraste: contrastes de coloes y de formas, contrastes simultáneos. El volumen y lo plano, las curvas y las rectas, colores y no colores constituyeron los temas propios de la pintura.

 La no distinción entre la imagen y el fondo; la abolición de la sucesión de los planos en una profundidad ilusoria, la descomposición de los objetos y del espacio y la concepción de la estructura como proceso de agregación formal, la yuxtaposición y la superposición de varias visiones desde puntos diferentes con la intención de presentar los objetos no como aparecen sino como son, la unidad espacio-tiempo, que se consigue al dar simultáneamente en el espacio imágenes que se suceden en el tiempo: el mismo objeto puede aparecer en diferentes puntos del espacio; el espacio se desarrolla alrededor del objeto, en su interior y hasta a través suyo, la identificación de la luz con los planos cromáticos resultantes de la descomposición y la integración de los objetos y del espacio.

¿QUIÉN?

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso. Fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

*Las señoritas de Aviñon (1909), Pablo Picasso

Óleo sobre tela

Museo de Arte Moderno, Nueva York

El iconclasta: Picasso retomó temas clásicos (naturaleza muerta, desnudo femenino, bañistas o escenas de harén) haciendo referencia a obras de Ingres y a las de artistas más cercanos, como Cézanne, Matisse y Derain, pero rompió con la concepción tradicional del arte de exhibir (después de multiples transformaciones de la composición, entre fines de 1906 y julio de 1907) una obra aparentemente inacabada.

El "burdel filosódico": Se acabó el ilusionismo: abandono del claroscuro, primitivismo, figuras angulosas, deformación de los rostros, medios propios para crear los volúmenes y los cuerpos se conjugan en esta "primera tela de exorcismo que impone una forma a nuestros terrores así como a nuestros deseos" (Picasso).

"Los sentidos deforman, el espíritu forma. Trabajar para perfeccionar el espíritu: solo hay certeza en lo que el espíritu concibe. La nobleza viene de las emociones contenidas. La emoción no debe traducirse por un emotivo estremecimiento. Ella no se agrega ni se imita. Ella es el germen, la obra es la eclosión. Me gusta la regla que corrige la emoción" (Pensamientos y reflexiones de Picasso sobre la pintura).

(SITOGRAFÍA: http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0707.html

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/

http://palabrasyvidas.com/biografia-de-Pablo+Picasso.html

BIBLIOGRAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)

FAUVISMO:

¿CUÁNDO?

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.

En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUE?

Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
 Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

¿COMO?

Expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores, puros, fuertes, alegres, que logran llamar la atención dispuestos de manera plana, y de lineas curvas para delimitar las formas. Es decir, utiliza colores que en la realidad no existen. "Los colores tienen tal influencia sobre el espiritu que basta con observar durante un tiempo un color para dejarse llevar hacia un oden de ideas muy diferentes" escribía Eugene Delacroix.

 Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. 


¿QUIÉN?
Henri Matisse (1869-1954)
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En *La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.
"Yo siento a través del color; entonces, es mediante él que organizo mi tela. Ademas es conveniente que las sensaciones estén condensadas y que los medios utilizados sean llevados a su maxima expresion" Henri Matisse
La obra "La alegría de vivir" respondia a estos postulados de la pintura moderna: afirmación de la superficie y saturación de los colores.

*La alegría de vivir (1906), Henri Matisse
Óleo sobre lienzo
 Fundación Barnes, Merion, Pennsylvania


(SITOGRAFÍA: http://fauvismosigloxx.wordpress.com 
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
BIBLIOGRAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)

EXPRESIONISMO:

*El Grito (1893), Edvard Munch

Galería Nacional de Oslo, Oslo,  Noruega

Óleo, temple y pastel sobre cartón

NEOIMPRESIONISMO:

*Tarde de domingo en la Grande Jatte (1884), Georges Pierre Seurat

Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Estados Unidos

Óleo sobre lienzo

POSTIMPRESIONISMO:

¿CÚANDO?
Se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reacción contra el Impresionismo y el Neo-Impresionismo.

¿QUÉ?
 Temas de la vida real intentando llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

¿CÓMO?
 Preocupación por el volumen. Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles). Preocupación por el orden y la claridad. Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición. Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.

¿QUIÉN?
Paul Cezanne (1839- 1906) fue generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Paralelamente, a partir de 1878, año en que se trasladó a vivir con Hortense, su compañera, a L’Estaque, cerca de Marsella, comenzó a alejarse de la estética impresionista y a desarrollar un estilo propio. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.
Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro. Sus paisajes, bodegones y retratos rompen con la concepción tradicional de profundidad, definida por planos sucesivos, e intentan captar pictóricamente la estructura interior de las cosas.
Fue casi toda su vida un pintor incomprendido, incluso fracasado, como lo había sido Claude Lantier, el protagonista de la novela de Émile Zola L’Oeuvre, en quien Cézanne se reconoció, lo que provocó la ruptura con su amigo de la infancia. Sólo en los años finales de su vida volvió a exponer en la galería de Ambroise Vollard en 1895, en la que sería su primera muestra individual. A partir de ese momento su obra pudo ser vista en otras exposiciones y comenzó a ser valorada y a influir en los jóvenes fauvistas y en los futuros cubistas. Su exposición póstuma, celebrada en París en 1907, fue toda una revelación y desencadenó el comienzo del cubismo.

*El florero azul (1885-1887).
Oleo sobre lienzo.
Museo d´orsay, París.
Paul Cezanne se siente enfermo y su irascibilidad se agrava. Se pelea con sus amigos, con Monet especialmente, sin razones serias. La duda y la fiebre del trabajo se lo disputan por igual.
Los elementos presentes en la obra son el vaso (jarrón o florero) azul, con flores y hojas, sobre una mesa. Sobre la misma mesa, 3 frutas, 1 plato y una especie de frasco pequeño. Las figuras se distinguen del fondo porque ocupan una mayor superficie, y porque las formas son más complejas, así como el colorido. Los colores que predominan son el rojo y el zul. Los otros colores (verde, naranja, amarillo) son menos importantes porque están neutralizados, con blanco y/o con negro. Mientras que el rojo y el azul están puros. El centro de interés es  el jarrón azul. Existe la superposición de los objetos y la disminución del tamaño de los objetos, hacia el fondo. Además, la pared (debido a su color oscuro a la izquierda de la imagen) pareciera "ir hacia atrás".
Más que a la representación de flores abiertas, Cézanne se interesa aquí por la modulación del color (tonos puros, contrastados y armoniosos). Una vez más, el tema está utilizado para servir una de las principales preocupaciones del artista: el estudio de la incidencia de la luz sobre los objetos y las variaciones de colores que produce.
Durante este período, Cezanne, se siente enfermo y su irascibilidad se agrava. Se pelea con sus amigos, con Monet especialmente, sin razones serias. La duda y la fiebre del trabajo se lo disputan por igual.

(BIBLIOGRAFÍA: Enciclopedia SALVAT Historia del Arte.
SITOGRAFÍA: http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/el-jarron-azul-20477.html?tx_commentaire_pi1%5BpidLi%5D=509&tx_commentaire_pi1%5Bfrom%5D=841&cHash=6b9a677823
http://todacultura.com/movimientosartisticos/neoimpresionismo.htm
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/129
temas hablados en clase)