FAUVISMO:

¿CUÁNDO?

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.

En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUE?

Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
 Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

¿COMO?

Expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores, puros, fuertes, alegres, que logran llamar la atención dispuestos de manera plana, y de lineas curvas para delimitar las formas. Es decir, utiliza colores que en la realidad no existen. "Los colores tienen tal influencia sobre el espiritu que basta con observar durante un tiempo un color para dejarse llevar hacia un oden de ideas muy diferentes" escribía Eugene Delacroix.

 Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. 


¿QUIÉN?
Henri Matisse (1869-1954)
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En *La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.
"Yo siento a través del color; entonces, es mediante él que organizo mi tela. Ademas es conveniente que las sensaciones estén condensadas y que los medios utilizados sean llevados a su maxima expresion" Henri Matisse
La obra "La alegría de vivir" respondia a estos postulados de la pintura moderna: afirmación de la superficie y saturación de los colores.

*La alegría de vivir (1906), Henri Matisse
Óleo sobre lienzo
 Fundación Barnes, Merion, Pennsylvania


(SITOGRAFÍA: http://fauvismosigloxx.wordpress.com 
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
BIBLIOGRAFÍA: Historia Visual del Arte LAROUSSE)

EXPRESIONISMO:

*El Grito (1893), Edvard Munch

Galería Nacional de Oslo, Oslo,  Noruega

Óleo, temple y pastel sobre cartón

NEOIMPRESIONISMO:

*Tarde de domingo en la Grande Jatte (1884), Georges Pierre Seurat

Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Estados Unidos

Óleo sobre lienzo

POSTIMPRESIONISMO:

¿CÚANDO?
Se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reacción contra el Impresionismo y el Neo-Impresionismo.

¿QUÉ?
 Temas de la vida real intentando llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

¿CÓMO?
 Preocupación por el volumen. Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles). Preocupación por el orden y la claridad. Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición. Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.

¿QUIÉN?
Paul Cezanne (1839- 1906) fue generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Paralelamente, a partir de 1878, año en que se trasladó a vivir con Hortense, su compañera, a L’Estaque, cerca de Marsella, comenzó a alejarse de la estética impresionista y a desarrollar un estilo propio. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.
Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro. Sus paisajes, bodegones y retratos rompen con la concepción tradicional de profundidad, definida por planos sucesivos, e intentan captar pictóricamente la estructura interior de las cosas.
Fue casi toda su vida un pintor incomprendido, incluso fracasado, como lo había sido Claude Lantier, el protagonista de la novela de Émile Zola L’Oeuvre, en quien Cézanne se reconoció, lo que provocó la ruptura con su amigo de la infancia. Sólo en los años finales de su vida volvió a exponer en la galería de Ambroise Vollard en 1895, en la que sería su primera muestra individual. A partir de ese momento su obra pudo ser vista en otras exposiciones y comenzó a ser valorada y a influir en los jóvenes fauvistas y en los futuros cubistas. Su exposición póstuma, celebrada en París en 1907, fue toda una revelación y desencadenó el comienzo del cubismo.

*El florero azul (1885-1887).
Oleo sobre lienzo.
Museo d´orsay, París.
Paul Cezanne se siente enfermo y su irascibilidad se agrava. Se pelea con sus amigos, con Monet especialmente, sin razones serias. La duda y la fiebre del trabajo se lo disputan por igual.
Los elementos presentes en la obra son el vaso (jarrón o florero) azul, con flores y hojas, sobre una mesa. Sobre la misma mesa, 3 frutas, 1 plato y una especie de frasco pequeño. Las figuras se distinguen del fondo porque ocupan una mayor superficie, y porque las formas son más complejas, así como el colorido. Los colores que predominan son el rojo y el zul. Los otros colores (verde, naranja, amarillo) son menos importantes porque están neutralizados, con blanco y/o con negro. Mientras que el rojo y el azul están puros. El centro de interés es  el jarrón azul. Existe la superposición de los objetos y la disminución del tamaño de los objetos, hacia el fondo. Además, la pared (debido a su color oscuro a la izquierda de la imagen) pareciera "ir hacia atrás".
Más que a la representación de flores abiertas, Cézanne se interesa aquí por la modulación del color (tonos puros, contrastados y armoniosos). Una vez más, el tema está utilizado para servir una de las principales preocupaciones del artista: el estudio de la incidencia de la luz sobre los objetos y las variaciones de colores que produce.
Durante este período, Cezanne, se siente enfermo y su irascibilidad se agrava. Se pelea con sus amigos, con Monet especialmente, sin razones serias. La duda y la fiebre del trabajo se lo disputan por igual.

(BIBLIOGRAFÍA: Enciclopedia SALVAT Historia del Arte.
SITOGRAFÍA: http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/el-jarron-azul-20477.html?tx_commentaire_pi1%5BpidLi%5D=509&tx_commentaire_pi1%5Bfrom%5D=841&cHash=6b9a677823
http://todacultura.com/movimientosartisticos/neoimpresionismo.htm
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/129
temas hablados en clase)

IMPRESIONISMO

¿CUÁNDO?
El Impresionismo es un movimiento pictórico francés, que surge a finales del siglo XIX. Apareció como reacción contra el arte académico y es considerado el punto de partida del arte contemporáneo. Podría decirse que el impresionismo fue un nuevo Renacimiento que se produjo durante un momento histórico muy complicado, justo después de la Guerra Franco-Prusiana(1870-1871) y los sucesos de la Comuna de París (1871).

¿QUÉ?
 Los impresionistas eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa.
Figuras con paisajes, como el "Almuerzo al aire libre" y "Damas en el jardín".

¿CÓMO?
 La impresionista fue una técnica pictórica que cociste en el empleo de pinceladas yuxtapuestas de tonos puros, que forman como una textura de toques de color, con relegación del negro al mínimo, o incluso su total supresión. Se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.
Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, utilizando para ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas.

¿QUIÉN?
Monet (1840-1926) siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del Impresionismo. Indudablemente, Monet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada (esto se ve en las numerosas pinturas de la Catedral de Rouen).
     Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte. Destacan otros casos como el de Cézanne, que hace del Impresionismo, un personalismo estilo que camina por cauces diferentes. Otros pintores impresionistas pero de personalidad distinta a la de Monet son Degas y Renoir, no por ello menos importantes.

     Monet fue un gran amante de la cultura y arte japonés. De ahí, que se construyera un jardín a la oriental, con un puente y con nenúfares. Este fue un buen lugar para refugiarse en sus últimos años. En este tiempo, un Monet casi ciego se deja "iluminar" por una luz limpia incidiendo en el agua de su estanque y en todo lo que le rodea. Ello le lleva a crear pinturas restallantes de vida, verdaderas "sinfonías cromáticas".

*La Catedral de Rouen , harmonie brune (1894)
Museo d´Orsay, París
Oleo sobre lienzo
En el curso de sus series anteriores, Monet había descubierto que la luz cambia constantemente. Como lo que él quiere cambiar es la "instantaneidad" inicia, en 1892, su "serie sistemática" de la catedral de Ruán (consistente en 31 lienzos que muestran la fachada de la catedral gótica de Rouen bajo distintas condiciones de luz y clima). Provocó una admiración inmediata entre la crítica de su tiempo, y fue alabada por muchos maestros posteriores, desde Wassily Kandinsky hasta Roy Lichtenstein. Cuando la luz cambia el pintor empieza otra tela; a esta serie pertenece "la Catedral de Rouen, harmonie brune". Monet quizá pierde la frescura de sus paisajes de Argenteuil, pero en su ansia de asir lo inasequible hay un punto de dramático y excepcional bravura.
Tonos castaños y grises para los días nublados. (La catedral de Rouen, harmonie brune).


(BIBLIOGRAFÍA: Enciclopedia SALVAT Historia del Arte.

SITOGRAFÍA: http://www.alu.ua.es/m/mjbc4/impresionismo.html
                  http://www.theartwolf.com/monet_cathedral_es.htm
                  http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo_monet.html)

REALISMO:

¿CUÁNDO?
Surgió durante la segunda mitad del siglo XIX. Sus primeras tomas de posición fueron en la Exposición Universal de París de 1855 y la publicación del libro Le Réalisme en 1857. El contexto temporal que lo rodea se caracterizó por los avances de la tecnología, medicina y ciencia en general; fin de la esclavitud en los países desarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos humanos, que causaron efectos como las Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y la pobreza. Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al desarrollo social, económico y tecnológico en los países del mundo. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías.

¿QUÉ?
Arte que no fuera fruto de la imaginación, sino que surgiese de "una lucha cuerpo a cuerpo con la naturaleza y la verdad". Sin embargo, con el termino Realismo  puede entenderse, además de esta genérica posición del hombre frente a la realidad, un término históricamente muy bien definido . Surgió oponiéndose al Clasicismo, al Idealismo y al Romanticismo.  El artista debía extraer la inspiración de la realidad objetiva y representar la vida de su tiempo, y en especial la experiencia cotidiana de la burguesía y de las clases inferiores.

¿CÓMO?
La única inspiración del arte era la realidad. El artista reproducía lo que observaba sin embellecerlo, por lo tanto las figuras no tenían contorno y se pintaba respetando los colores originales.

¿QUIÉN?
Características fundamentales del Realismo del XIX y de su desarrollo fueron además el compromiso social de sus representantes: de esta actitud con una muestra las pinturas de Courbet, pero también las de otros artistas como Daumier y Millet.

Jean-François Millet (1814 -1875) fue un pintor francés realista y uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Hijo de campesinos pobres y campesino él mismo

*El Angelus (1857-1859), Jean-François Millet
Museo Orsay, Paris
El autor buscará retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural, seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía por tratar esto como tema central en su obra.
La escena actual muestra a dos campesinos que han interrumpido su trabajo en el campo para rezar el Ángelus, la oración que recuerda el saludo del ángel a la Virgen María en la Anunciación. En medio de un llano desértico, los dos campesinos se recogen en su plegaria. Sus caras quedan en sombra, mientras que la luz destaca los gestos y las actitudes, consiguiendo expresar un profundo sentimiento de recogimiento.
Las figuras de Milet, como esta, son masas pesadas y tristes, con la cabeza baja, sumisas en la desolada inmensidad de las llanuras inacabables. Sus contemporáneos le reprocharon siempre su visión áspera y lamentable de la vida de los campesinos. Millet respondió: "Al mirar la naturaleza y los hombres nunca he visto su aspecto alegre"

(BIBLIOGRAFÍA: enciclopedia Historia del Arte Salvat y enciclopedia del ARTE Grupo Libro
SITOGRAFÍA: http://wikipedia.com
                      http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico.shtml)

ROMANTICISMO:

¿CUÁNDO?
La pintura romántica se desarrollo a lo largo de la primera mitad del siglo XIX. Apareció en Alemania luego de la Revolución Francesa y encontró su apogeo en Francia durante la Restauración, en momentos en que ya había alcanzado solidez en Gran Bretaña.  Surgió una voluntad común: encontrar un lugar de mayor exaltación que el ofrecido a la generación de este período y producir, sobre todo en Francia, una obra comprometida con la lucha por la libertad de los hombres, de los pueblos, y naturalmente, del arte mismo.
Luego de este movimiento se originó el Apogeo Romántico, que fue el punto culmine del Romanticismo. El movimiento comenzó a decaer en la etapa del post-romanticismo, que fue la consecuente al Romanticismo clásico.
Entre 1770 y 1800 "Europa se acostó absolutista y neoclásica y se levantó demócrata y romántica". Gracias a la revolución industrial inglesa (1760-1840), que desarrolla una clase burguesa y sienta las bases del liberalismo; gracias a la revolución francesa (1789), que proclama los principios de libertad, igualdad y fraternidad; gracias igualmente a la revolución americana con su Declaración de independencia (1776), que hace de los derechos del hombre su centro y establece la república como forma de gobierno y al pueblo como fuente exclusiva del poder.

¿QUÉ?
Se basaba en una estética emocional y en una percepción de la naturaleza que revelaba los estados del alma, valorizando una concepción psicológica de la obra de arte. Los ambientes subjetivos, la búsqueda de lo sublime, misterioso y dramático, asi como la originalidad de las representaciones fueron características de esta producción pictórica que a menudo rehusaba mostrar lo inmediato y contemporáneo. Los temas literarios o históricos de inspiración medieval, la representación de una naturaleza salvaje, con montañas grandiosas, mares tempestuosos y bosques profundos, como también el exotismo de Oriente o del Nuevo Mundo incitaban a una evasión temporal y espacial. Todos los movimientos románticos tenían un punto en común: su oposición a la fuerza de la razón y a la aplicación de las reglas del clasicismo. Por lo demás, eran complejos y contradictorios, y estaban, a veces, asociados a las reivindicaciones liberales e innovadoras, marcadas a menudo por un espíritu conservador reaccionario. Se alimentaban, en tanto, de la diversidad  de las posturas individuales de los artistas.
Surgió una voluntad común: encontrar un lugar de mayor exaltación que el ofrecido a la generación de este período y producir, sobre todo en Francia, una obra comprometida con la lucha por la libertad de los hombres, de los pueblos, y naturalmente, del arte mismo.

¿CÓMO?
 Juego de contrastes entre la luz y la sombra, como por ejemplo que las sombras se disuelvan en la luz, y con los efectos de la transparencia;  vigorosas pinceladas,  trazos que concurren en la dramatización; textura; colores dramáticos o casi sin uso de color.

 ¿QUIÉN?
Francisco de Goya
En la década de 1790, el estilo del pintor se modificó radicalmente. En 1972, se dedicó, especialmente en su serie de grabados "Caprichos", a realizar una sátira violenta de un mundo sobre el que veía extenderse progresivamente la noche, la locura y la muerte.
La serie de los "desastres de la guerra" pintura de los horrores de la campaña napoleónica (1808-1813), unía a la inspiración macabra y de pesadilla de romanticismo negro el sentimiento personal, reforzado por la enfermedad del artista, frente a la ferocidad absurda de un mundo que ya no era el de la Ilustración.

*El Coloso, Francisco de Goya, 1812
Oleo sobre tela
Museo del Prado, Madrid
Un desorden de manchas de color: Lejos del heroísmo napoleónico de las batallas que mostrarán los futuros pintores románticos franceses, Goya plasma los "desastres de la guerra". La población que, aterrorizada, huye de la masacre, aparece solamente esbozada por manchas de color disgregadas o por sombras transparentes.
La locura de la guerra: A  veces asimilado al Hércules español que desafía a Napoléon o al mismo Napoléon caracterizado como Gullier, el coloso hace referencia más bien a otra dimensión, el luchador con las manos empuñadas es la alegoría de una guerra absurda que conduce a la locura.

(BIBLIOGRAFÍA: Libro Historia Visual del Arte-LAROUSSE-LA NACION- temas hablados en clases- SITOGRAFÍA: http://www.monografias.com/trabajos6/roma/roma.shtml)